阿里庭院医院 – 文森特梵高
梵高在用刀割伤自己后住院。几个星期的监狱使他选择了两幅画作：”阿尔勒医院的内院”和”阿列斯基医院的分庭”。 这些画作表达了孤立的痛苦和悲伤。
在花瓶的三个向日葵 – 文森特梵高
梵高创作了许多向日葵画作。1887年，这些花首次出现在他的画布上。然后，他住在巴黎，创造了一系列带有向日葵的静物。然后，已经在阿尔勒，梵高写了几个描绘花瓶里向日葵的作品。在这些静物中，梵高在这些静物中对黄色，对太阳和生命进行人格化的无尽钦佩达到了高潮：黄色不仅是花朵，还有花瓶，桌面和绘画背景。 这项工作是阿列斯基时期的第一个”向日葵”之一。由于没有平坦性，将梵高的画作与日本艺术结合在一起，这幅画在后期作品中并没有固有的黄色优势。三个向日葵在绿松石背景被描述。橙色色调在花瓣中播放，回想起最近花朵在烈日下生长。但正在失去形状的向日葵枯萎的叶子已经表明它们已经开始萎缩的过程。 这个画面非常活跃，旁边是一个浅绿色的花瓶，表面上有亮点。桌子的表面涂有棕色油漆的糊状笔触，橙色的光反射穿过它。画面看起来欢快而明亮，它体现了作者的感受，无限受到自然阳光色彩的启发。
向日葵 – 文森特梵高
向日葵对主人来说有着特殊的意义。他与他们一起写了两系列画作：巴黎和阿尔勒。然后画家制作了这些作品的几个版本。所有这些仍然引起了艺术史学界的讨论，并成为一种”品牌”。 梵高的向日葵与莱昂纳多的Gioconda，拉斐尔的西斯廷麦当娜和马列维奇的黑色广场的作品具有相同的意义。从某种意义上说，这些画布与艺术家”同义”。阿尔勒周期，包括伦敦绘画，旨在装饰画家的朋友保罗高更的房间，在法国南部阿尔勒的所谓黄屋，梵高租用。 两位艺术家在1888年10月至12月期间一起在那里工作。在他的周期作品中，梵高运用了一种特殊的写作技巧 – impasto。其实质是涂料涂有非常厚的涂层，不仅使用传统的刷子，还使用刀具。这创造了一种特殊的粗糙表面，浮雕图案。”向日葵”不止一次复制，通常在技术上取得成功，但绝不是”个人”。
Margarita Gachet在花园里 – 文森特梵高
画作”花园里的玛格丽塔-加切特”梵高于1890年在奥维尔写道。在此，他描绘了他的朋友加歇特博士的女儿，他喜欢艺术并熟悉许多艺术家。在加歇的家中，梵高是一位常客;在整个奥维尔逗留期间，他创作了两张自己的医生肖像和一些描绘他女儿的作品。 玛格丽特加歇一生都在她父亲的家里。在这张照片中，梵高在他的花园里描绘了她，在茂密的灌木和花丛中。图片是不同的柔和色彩和平衡的构图。女孩站在花园中间，平静地看着她手中的树枝。她的衣服的白色 – 纯洁的象征 – 与白色花朵的斑点相呼应，覆盖着杂草丛生的花园。 图片的着色基于绿色和蓝色色调的浅色调组合。在一般背景下，只有少数几种颜色突出：红色屋顶，带花朵的浴缸和玛格丽塔的黄色头发。左侧和图片背景中的黑暗树木限制了空间，营造出舒适的感觉。 这幅画充满了和平与安宁的气氛。它采用平面格式，有大型淹水区域，风格与日本绘画相似。同时，它很容易识别梵高的艺术风格，在过去时期以不均匀的线条和笔画为特征。梵高向加歇博士介绍了这项工作。
盛开的栗树枝 – 文森特梵高
开花的树枝象征着大自然的重生，或者更广泛意义上的希望和救赎。 同样在类似的意义上，梵高使用这个动机，指的是他生活中的事件。1890年5月16日，他凭自己的自由意志离开了圣雷米的避难所。抵达巴黎附近的Auvers-sur-Oise时，艺术家遇见了茂密的植被。他在普罗旺斯的南部度过了春天的开始，但北方出乎意料地让他惊讶于第二个春天，这是一种鼓舞人心的效果，可以从他选择的情节中看出来。 在梵高街上画着白色和粉红色花朵的老板栗树，其花瓣即将落下，而图片描绘了一个静物形式的开花栗子树枝，在一个带有杜鹃花的水壶中。正如在梵高的类似主题的作品中，非传统的画面裁剪和构图的不对称反映了日本版画的影响。
静物与白菜和木鞋 – 文森特梵高
1881年，梵高开始从最好的海牙艺术家之一安东-穆夫那里学习。当时，绘画教学的方法是基于这样一个事实：起初艺术家最初只写了大师作品的副本。 但是穆尔弗离开了这个规则，立即允许文森特用油画静物画。这位年轻的艺术家很高兴，因为在那之前他只画了画。同年10月，老师甚至向他赠送了一套油画颜料，调色板，画笔和绘画所需的一切。 最初的作品之一是有一双鞋，红白菜和土豆的组合物。写这个静物的目的是学习涂抹涂料的技巧，以及传达每个物体的独特纹理。 梵高完美地应对了这项任务，小心翼翼地排出带有条纹的软白菜叶，显示出桌子和鞋子的木质表面的物质性。他将卷心菜作为构图的语义中心，用一个实心黑色背景的固体光点突出它。所有其他主题仍留在半影中，同时不会失去其在静物的整体构成中的重要性。这一切使得艺术家最早的作品之一非常和谐而整体。
Platan Street在Arly Station附近 – Vincent Van Gogh
“阿尔勒火车站附近有梧桐树的街道” – 这位艺术家后期作品的作品 – 后印象派文森特威廉梵高。这是在作者搬到法国南部的阿尔勒之后创建他自己的”南方工作坊”之后写的。”街头”变成了一种新的气息，正如梵高自己所看到的那样，通过颜色和带有图案的颜色合成的另一种表达方式。画布非常多汁，非常黄。令人难以置信的炎热的法国春天被车站的艺术家抓住了。 梧桐树的小巷仍然完全赤裸裸。飞机在叶子和凉爽的冠上非常漂亮，但春天开花还没有任何芽或芽。画布调色板建立在印象派固有的对比之上。除了明亮的柠檬围栏外，还有一个完美的对面 – 紫色组合。他在高跷上穿过桥，用丁香烟画天空，从而从机车的烟囱中脱离出来。尽管早晨，这正是早晨，从不清晰的阴影和缺乏人的角度来看，一些公民已经醒了。他们在门口的背景中隐约出现黑色笔触。绘画文森特的技巧是孩子般的简单。油涂层中存在大量混沌方向的独立笔触 – 草是垂直的，阴影是水平的，等等。 注意这些相同的梧桐树。它们没有清晰的边框，就像一个孩子的梯子和完全丁香。没有混合黑色颜料的阴影 – 当然是一种印象派和后印象派的口号。梵高在他的”街头”中明确遵循这些规则。画面的情绪只会带来欢乐的印象，甚至会激起人们对甜蜜，蜂蜜和多汁的渴望。 梵高没有盯着色彩和相反的色调，在画布上泼了他的情感。也许，对创造力和画布的欢乐回归被他自己，他自己的思想和生活所摧毁……然而，文森特的创造力的粉丝并不一定知道他生活的这一方面，正在穿过一条长长的梧桐树。
老红豆杉的树干 – 文森特梵高
这幅画”老红豆杉的树干”于1888年10月在阿尔勒画。这是梵高最不寻常的画作之一。艺术家的所有注意力，热爱大自然，试图通过颜色传达其本质，这里几乎集中在一个细节上。 好像在欣赏它，梵高仔细地试图找出旧树皮上的每一种颜色。任何，甚至是最微不足道的色彩细微差别都被仔细地发现并放在画布上。作者如此热衷于阴影，以致物体的原色几乎丢失，让位于色彩缤纷的调制。 梵高的黄色意味着阳光和生命，但在这里，他宁愿创造一种焦虑的气氛，完全充满天空。地球和草的蓝色色调与天空的黄色有点不相容，但在这种寒冷的帮助下，梵高传达了秋天萎靡的心情。宽阔的地平线与树木和小型建筑形成了鲜明对比，巨大而笨重的旧树干填满了整个画面的前景。 老红豆杉好像紧贴着地面，它破裂的树皮没有光泽，干燥的树枝在祈祷中升起。为了传达大自然中可以看到的一切的内在本质，梵高在每一个细节中都能找到美感并小心地将它转移到画布上。
有开花的杏子的果树园 – 文森特梵高
1888年4月，梵高创作了一系列描绘开花树木的画布。对于期待已久的春天的快速开花感到高兴，他每天都在花园和公园里画画。 在这张相当大的照片中，艺术家描绘了一个开花的杏果园。帆布充满了清爽的春天空气和冬季漫长睡眠中唤醒的大自然色彩的温柔所带来的欣快感。天空是用描绘轻卷云的逃亡无序笔画写成的。 地球以温暖的灰色色调写成，上面覆盖着小而刚刚出现的温柔浅绿色的草芽。在作品的中心，艺术家放置了一棵薄薄的树，绽放着郁郁葱葱的白色花朵，几乎与天空的颜色融为一体。在白色的花瓣中可见浅绿色的嫩叶。 艺术家不使用深色。甚至他画的树干都是细腻的蓝色。因此，画面仿佛充满了空气。整齐种植树木的树干与天空中混乱的长笔画形成鲜明对比，杏色的精致花朵在其背景下看起来像是轻盈，自由和自然美的象征。
高更的主席 – 文森特梵高
对于文森特-梵高来说，保罗-高更不仅仅是一位艺术家，而是一位亲密的朋友，对他的合作寄予厚望。然而，在高更于1888年11月抵达阿尔勒后不久，同行艺术家之间爆发了激烈的争吵，他们的交流停止了。高更离开了热情好客的梵高黄屋，只留下一把空椅子。 空椅子在房间的中心。没有一个曾经占据过他的人。亲密朋友失去的痛苦和与之相关的梦想的崩溃。在类似的氛围中，梵高创作了这幅画作”高更之主”。过了一会儿，写下了这幅画 – 画作”文森特梵高的椅子上有一根烟斗”。这些作品成为两位艺术家的原型，反映了他们性格的不同，对生活和艺术的看法，不同的命运方式。 椅子是占据整个画面空间的主角。由熟练的工匠手中制作，座位上有书籍和蜡烛，他的外表体现了高更的野心和丰富的知识。梵高选择的主要颜色 – 红色和绿色 – 并非偶然。比其他音调更精确和更深刻，他们能够传达失去的幻想和黑暗，艺术家因高更的离去而陷入其中。在两部情绪对比的作品中，”高更的椅子”看起来更加阴沉，而艺术家并没有像在他的生活情境中那样看到光的瞥见。在它的本质中，一件没有生命的家具象征着一种生机勃勃的东西，但却成为过去。 这是他在物质世界中留下的一个人的痕迹，这个人不再是，也可能永远不会。
走在领域的两名妇女 – 文森特梵高
在Auver写的十四幅画是宽的，十三幅几乎是50 x 100厘米。 毫无疑问，受到Puvis de Chavant的影响，梵高决定按照一个新的标准衡量他的画布，这个标准将他的作品与建筑中的标准装饰元素楣相关联。 梵高的画作中第一次出现了”两个女人在田间散步”的尺寸要小得多。
郁金香领域 – 文森特梵高
文森特梵高于1883年创作了油画”郁金香”。那时他在一所学院学习绘画。当时艺术家已经开始折磨他精神疾病的迹象。创作者有进攻性的攻击，他经常陷入沮丧，这完全是因为他无法与自己和他的存在和解。 在学院学习帮助文森特放松，减轻了疾病的症状。他在那里学习的绘画方式柔和而光滑，帮助艺术家摆脱生活的喧嚣，有时间冷静思考许多事物，他的画充满了温暖和光明。 首先，在图片中，各种颜色的郁金香巨大的领域是惊人的。郁金香点缀着夕阳的光芒，使它们的颜色更加神奇。梵高喜欢用图片描绘人物，这张照片也不例外。在远处，一个男人走进花田，他工作，关心花朵，检查他们的状况，保护他们。当时，这种工作经常发生;许多人从事花卉种植，尤其是那些积极分配花卉的地区。 在这幅画布中，梵高试图发挥色彩的对比，这有助于他更好地展现明亮的地方，使画面更加丰富，让观众的注意力和目光主要落在美丽的郁金香上。图片的其余对象并不那么重要并且留在后面，但即使它们也能清晰自然地执行，以免破坏图片的整体情绪。图片在视觉上分为两个区域。底部是鲜花，顶部是几个破旧的房屋，黑暗的树木和充满云彩的天空。 尽管花朵占据了大部分画面，但没有第三方物体，画面看起来似乎是空的。梵高是部分大师，他总是知道如何注意必要的琐事并描绘它们以便每个人都能注意到它们。
阿尔勒竞技场的观众 – 文森特梵高
在这幅于1888年在阿尔勒画的画中，艺术家描绘了一个古老的圆形剧场，在那里举行斗牛。选择的观点是公众成为主角。 研究人员认为，梵高在观众中描绘了他的许多熟人，其画面可以在这一时期的艺术家的其他画作中看到。梵高完美地成功地在人们的姿势和姿势中，在多样化的亮点传达了人群中的生动喧嚣。 在舞台上发生的动作对于艺术家来说是次要的。他把它放在右上角，并且非常概括地描绘了斗牛士斗牛士的数字。然而，场景中明亮的黄色斑点使其从整体构图质量中脱颖而出，因为景观是团结竞技场中所有人的东西。 梵高采用鲜明的对比色组合，增强了节日的活力。众所周知，这幅画是在高更作品的影响下绘制的，高更当时住在梵高黄宫的阿尔勒。朋友的影响极大地影响了绘画风格：梵高使用广义斑点，颜色更简单。图片的细节以黑色轮廓圈出，这也使图片更接近高更的作品。
Dawn Wheatfield和Reaper II – Vincent Van Gogh
在圣雷米，梵高吸引了很多。尽管他处于患者的位置，但艺术家并没有感到缺乏任何科目。他发现几乎所有他看到的图像，医院的病房和走廊，患者和监护人的肖像，窗外的景色都是值得的。在监督下，他甚至可以在自然界中进行绘画。 在Dawn和Reaper的绘画Wheatfield中，艺术家从他的窗口描绘了一个视图。在地平线上，你可以看到一系列低矮的蓝色山脉，整个前景空间被一片覆盖着成熟小麦的宽阔田野所占据。梵高不止一次在不同时刻描绘了这种观点。 他以非常浅的色调描绘黎明景观，有时用赭色棕色遮住它们。他使用长时间散布的笔触描绘天空，太阳盘通过它上升。小麦的耳朵用螺旋扭曲的笔画书写。 收割者梵高的形象强调。在创作方式的最后，这幅图像被同样经常出现的播种者替换在他的画布上。参考着名的圣经寓言，艺术家写道，他认为死亡在收割者中是人格化的，因为他带有自然带来的果实。
农民和农民种植马铃薯 – 文森特梵高
绘画”农民和农民播种土豆”于1885年绘制。这是梵高最早的作品之一。 艺术家试图掌握绘画的经典基础，但是，没有受过严肃的教育，在早期阶段遇到了困难。他非常痛苦地体验到他无法描绘一个男人。一方面，这种无能导致他的角色有些静态和尴尬。另一方面，没有动态，人的形象似乎成为无生命的一部分，部分与它融合。 在描绘两名在该领域工作的农民的照片中可以清楚地看到这一点。梵高把它们比作强大的岩石，与地面有着千丝万缕的联系。艺术家特意选择了高视界线。就好像她”粉碎”了农民，把它们弯成了地面。长长的黑暗阴影使人们坚定地站在地面上，将它们”系在一起”。 图片是以现实主义的风格写成的。梵高绘画的创作激发了让 – 弗朗索瓦-米勒的作品。他非常感谢这位大师的作品，并通过复制他的作品来研究绘画。 尽管人物的表现有些尴尬，但是他们的比例不准确，梵高创造了一个非常坚固的画布，在构图和配色方案上和谐。他对农民的简单态度表达了他对简单农民劳动的深深敬意，坚定地站在饲养他们的土地上。